Zeichnen Archive - Nadine de Macedo

Inktober – 31 Zeichnungen an 31 Tagen

Nadine — Wed, 25 Oct 2023 18:37:00 +0000

Vor gut zwei Jahren hörte ich zum ersten Mal von Inktober. Es handelt sich hierbei um eine Aktion im Internet in der Illustrator*innen zu 31 gegebenen Stichworten 31 Zeichnungen anfertigen. Es kann jede*r teilnehmen und dadurch andere Künstler*innen kennenlernen. Eigentlich wollte ich schon letztes Jahr an dieser Aktion teilnehmen, aber ich war viel zu sehr mit Musik beschäftigt, um den Stift auf das leere Blatt Papier zu setzen. Dieses Jahr passte es ganz gut, da ich sowieso eine kleine musikalische Pause einlegen wollte. Für mich war es das erste Mal Inktober. Die Stichworte erscheinen gut 3 Wochen vor dem Festival auf der offiziellen Website. Beim ersten Anblick kamen mir zu 10 Worten Bilder, der Rest hat mich überfordert. Ich kann mich nicht dazu zwingen jeden Tag etwas zu zeichnen oder jedes Wort zu illustrieren. Ursprünglich sollten die Illustrationen mit Tusche oder Tinte gefertigt werden, was auch so gar nicht mein Medium ist. Stattdessen entschied ich mich nur das zu zeichnen, was mich inspirierte und griff zu Aquarellfarben, die ich schon gut 20 Jahre nicht mehr angefasst hatte. Es hat ein paar Tage gebraucht, bis ich mich daran gewöhnen konnte, doch es hat mir Spaß gemacht. Insbesondere das Stöbern der Hashtags auf Social Media zeigte mir, wie unterschiedlich man die Worte interpretieren kann. Inktober war ein gelungenes Experiment, auch wenn ich bei Weitem keine 31 Bilder gezeichnet habe. Ich habe dadurch neue Interessen und Schwächen entdeckt. Beispielsweise fiel mir das Zeichnen von Tieren und Farbübergängen sehr schwer, während ich den meisten Spaß mit Lebensmittel-Illutrationen hatte. Ich kann mir vorstellen nochmal daran teilzunehmen, aber dann mit einem Medium was mir selbst Spaß macht und ohne den Druck jedes Bild zu zeichnen. Meine Bilder findet ihr derzeit ausschließlich auf Instagram. Vielleicht scanne ich das ein oder andere noch ein und lade es auf diese Website hoch. Habt ihr daran teilgenommen?

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So fand ich meinen eigenen Zeichenstil (Teil 2)

Nadine — Thu, 26 Aug 2021 09:50:00 +0000

Habt ihr euch mal gefragt, wie man seinen eigenen Zeichenstil findet? Die Suche nach meinem eigenen Stil führte mich vom Manga zum Realismus und von Wasserfarben zu digitaler Malerei. Knapp zwanzig Jahre nach meinem ersten Comic fühle ich mich sowohl im Realismus, in der Portraitmalerei und in der digitalen Kunst wohl. Wie es dazu kam, beschreibe ich in diesem Post. Nach meinen Bemühungen als Manga-Zeichnerin, von denen ich in meinem letzten Post erzählt hatte, kehrte ich zum stark vereinfachten Realismus zurück. Ich legte viel Wert darauf, dass Proportionen stimmen und verzichtete auf detaillierte Gesichtszüge. Dadurch sparte ich beim Zeichnen sehr viel Zeit und fokussierte mich darauf, dass Charaktere anhand ihrer Kleidung, Frisur oder Sprechweise erkennbar blieben. Realistischer Zeichenstil trifft auf Fantasy-Geschichte Durch High Fantasy Literatur inspiriert, entstand 2004 eine Geschichte, welche die Vorzüge der heutigen Gesellschaft infrage stellt. Ursprünglich handelte es sich sogar um eine klassische High Fantasy Welt mit Elfen, Drachen, Rittern und Magie. Mit jedem weiteren Pinselstrich hatte ich das Gefühl, mich im falschen Film zu befinden. Ich konnte mir einfach nicht vorstellen, wie sich Fabelwesen bewegen und wie ich Magie darstellen soll. Je mehr ich mich mit den Charakteren beschäftigte, desto realistischer wurde die Geschichte. Aus der High Fantasy Welt wurde ein alternatives Mittelalter. Im Gegensatz zu Satoshi habe ich die Panelführung und Panelgröße an das westliche Leseverhalten angepasst. Aus heutiger Sicht sind es immer noch zu viele Bilder pro Seite. Bei der Wahl der Zeichenmittel begab ich leider einen sehr großen Fehler: Der Comic wurde auf kariertem DIN-A4-Papier gezeichnet. Durch die Aquarellbuntstifte wurden vereinzelte Farben besonders kräftig, aber das Karo-Papier lässt sich nicht aus den Scans löschen. Mein Comic wurde nach drei Bänden à 20 Seiten abgebrochen, weil die Geschichte so lang war, dass sie locker 50 Bände hätte füllen können. Seitdem wird das Projekt als Roman weiterverfolgt und umfasst mittlerweile über 1200 Normseiten. Den Titel lasse ich noch offen, weil ihr in den nächsten Monaten und Jahren noch genug darüber hören werdet. Be Yourself: Buntstifte auf Blankopapier Um denselben Fehler nicht nochmal zu machen, zeichnete ich mein nächstes Werk Be Yourself auf Blankopapier. Mit Erfolg, denn der Comic im Jahr 2005 ausgestellt und in Kleinstauflage gedruckt. Be Yourself umfasst 150 DIN-A4-Seiten und knüpft stilistisch an mein Vorgängerwerk an. Ich fand meinen Zeichenstil also in einer vereinfachten Darstellung des Realismus. Die weichen Schatten machen bis heute meinen Stil aus. Leider lernte ich erst beim Drucken und Binden im Copyshop, dass sich Buntstifte nicht für farbechte Scans eignen. In Be Yourself geht um einen jungen talentierten Musiker, der sein Image ändert, um im Musikbusiness erfolgreich zu werden. Es ist die Geschichte vom Aufstieg und Fall einer fiktiven Gothic Rock Band. Umstieg auf digitale Malerei Es ist äußerst schade und ärgerlich, wenn man eine Geschichte nicht publizieren kann, weil sie mit den falschen Mitteln erstellt wurde. Daher beschäftigte ich mich in den nächsten Jahren zunehmend mit der Frage, wie ich Graphiken für den Druck optimieren kann. Auf dem Künstlerportal Deviantart hörte ich zum ersten Mal vom Begriff „digital art“, also Digitale Malerei. Statt mit Bleistift und Buntstift zu malen, werden Illustrationen mit einem Graphiktablett in einer Graphiksoftware angefertigt. Mein erstes Werk in dieser Richtung war übrigens das Titelbild zu Be Yourself, das ich mit einer gewöhnlichen Maus malte. Ich war von den Farben und dem Druckergebnis so angetan, dass ich mir kurz darauf ein Graphiktablett kaufte. Wer das Zeichnen und Malen mit Stift und Pinsel gewohnt ist, wird viele Monate und Jahre brauchen, bis die Werke auf dem Graphiktablett eine vergleichbare Qualität haben. Man muss sich erst daran gewöhnen, dass Stift und Papier entkoppelt sind und dass die Farbmischung am Bildschirm anders ist, weil man sich in einem anderen Farbraum bewegt. Indiependent: Jugendliche Subkulturen 2008 entstand der Comic Indiependent. Es handelt sich hierbei um eine Fortsetzung von Be Yourself, die sich einerseits mit Subkulturen der Musikszene und andererseits mit jugendlichem Leichtsinn befasst. Während Be Yourself eher als Drama einzuordnen ist, ist Indiependent eine Komödie. Deswegen dreht sich die Geschichte nicht um Matt, sondern um seinen besten Freund Alex, der noch Oberstufenschüler ist. Hier sind zwei kurze Szenen, die euch einen Vorgeschmack auf den Humor geben. Anders als sein Vorgänger wurde der Comic durchgängig mit einem HB, 3B und 6B Bleistift gezeichnet. Je weicher die Mine, desto einfacher konnte ich große Zeichnungen meiner Charaktere anfertigen. Wie das genau funktioniert, erkläre ich in diesem Blogpost ausführlicher. Mein Zeichenstil veränderte sich insofern, als ich mehr Wert auf Gesichtszüge und Gesichtsausdrücke legte. Ich habe lange mit dem Gedanken gespielt, meine Zeichnungen digital zu tuschen und am Graphiktablett zu kolorieren. Nach ein paar Probeseiten bemerkte ich, dass mein Zeichenstil zu detailliert ist, um den Comic in absehbarer Zeit druckfertig zu machen. Pro Seite müssen mehr als zehn Stunden eingeplant werden, sodass Indiependent zu einem mehrjährigen Vollzeitprojekt werden würde. Der Wunsch, diese Geschichte auf die Gesellschaft loszulassen, ist nach wie vor groß, auch wenn die musikalischen Subkulturen vor zehn Jahren andere waren als heute. Aus Zeitmangel Illustrationen statt Comics Während meines Studiums hatte ich leider zu wenig Zeit, um Comics zu zeichnen. Da erschien mir das Schreiben von Büchern wesentlich effizienter. Ich konnte mich schwer damit abfinden, dass ein Buch nur aus Buchstaben bestand und illustriere seitdem Szenen, Charaktere und Orte bei Bedarf. Erst seit 2012 erziele ich mit der digitalen Malerei akzeptable Ergebnisse und verbessere mich stetig. Doch war ich dort weit entfernt, meinen eigenen Stil zu finden. Vektor Art – Schemenhafter Realismus Die Anzahl an Werkzeugen und Texturen bei der digitalen Malerei ist erstaunlich und erdrückend zugleich. Auf der Suche nach Möglichkeiten, schöne Bilder in kurzer Zeit zu zeichnen, blieb ich beim Thema Vektor Art hängen. Darunter versteht man Graphiken mit einer handvoll Farben, die frei skalierbar sind. Da die Dateien Pfade statt Pixel speichern, sind sie besonders speichereffizient und perfekt für Internet und großformatigen Druck geeignet. Der Stil erinnert ein wenig an Pop Art, bloß dass die Farben seltener verfälscht werden. Mein erster Versuch in dieser Richtung stammt aus dem Jahr 2008, wo ich an einem T-Shirt-Design-Wettbewerb der australischen Elektro-Pop-Band Cut Copy teilgenommen habe. Das Zeichnen und Freistellen von Pfaden ist eine äußerst zeitintensive Sache, da man geschlossene Kurven definieren muss, die das Motiv abdecken, ohne zu überschneiden. Nach einigen Versuchen stand für mich fest, dass ich die minimalistische Optik mag, aber lieber mit Rastergraphiken arbeite. Meine heutigen Bilder sehen nur aus wie Vektorkunst, bestehen aber aus Pixeln. Ich nutze diesen stark vereinfachten Zeichenstil mittlerweile gerne, um Charaktere zu entwerfen. Es ist nicht leicht, eine Person auf wenige Striche und Farben zu reduzieren. Auf diesem Bild seht ihr dieselbe Person in einer wesentlich realistischeren Darstellung. Statt 20 Stunden brauchte ich für obige Vektorzeichnung nur noch 1,5 Stunden. Bei so einer Vereinfachungen muss man sich Gedanken machen, was die relevanten Merkmale sind. Hier sind es ganz klar die Grübchen und der schelmische Blick. Wenn man genau hinsieht, erkennt man sogar, dass die Grundzüge meines heutigen Zeichenstils bereits 2001 existierten und es meine Zeichnungen wie von selbst in diese Richtung bewegt haben. Ich mag Realismus, aber es kostet zu viel Zeit. Ich zeichne lieber viele Linien als dicke Ränder und übernehme die sanften Schattierungen aus dem Manga. Morgen: Konzeptkunst? Wenn ich alle Zeit der Welt hätte, würde ich mich gerne in Richtung Concept Art oder Matte Painting weiterentwickeln. Ich bin fasziniert, wie realistische Welten und Figuren für Spiele und Leinwand entstehen, ohne dass ein Werk abgeschlossen aussieht. Bis dahin ist es ein weiter Weg. Im Bereich der Architektur und Landschaftsmalerei bin ich ein kompletter Anfänger. Konzeptkünstler beschäftigen sich viel intensiver mit der Gesamtwirkung des Bildes statt mit den Details. Vom Gedanken her ist es ein ganz anderer Ansatz, als ich aktuell verfolge, auch wenn manche meiner Werke durchaus Richtung Konzeptkunst gehen. Als ich mit dem Zeichnen begann, habe ich nie daran gedacht, mich jemals mit Computergraphik und Leinwänden zu beschäftigen. Ich hoffe, dass ihr euch durch diesen Post motiviert fühlt, auch außerhalb eurer Komfortzone nach Inspirationen und Herausforderungen zu suchen. Der eigene Zeichenstil findet sich nach Jahren wie von selbst, wenn man das vorantreibt, was einem Spaß macht. Werde ich in zehn Jahren immer noch so zeichnen? Oder etwas vollkommen anderes tun? Ich weiß es nicht. In welchen Bereichen der Kunst habt ihr euch ausgetobt? Wie würdet ihr euren heutigen Stil beschreiben?

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So fand ich meinen eigenen Zeichenstil (Teil 1)

Nadine — Sat, 21 Aug 2021 11:02:00 +0000

Die meisten Künstler*innen finden ihren eigenen Zeichenstil nach sehr langer Zeit. In über 20 Jahren habe ich von Manga über Naturalismus; Stillleben bis Portraitmalerei; Bleistift bis digitalem Aquarell so ziemlich alles an Zeichenstilen, Werkzeugen und Motiven ausprobiert. Das ist wichtig, damit man seinen eigenen Zeichenstil findet. In diesem und dem folgenden Post werde ich euch erklären, wie ich meinen eigenen Zeichenstil fand und was meine wichtigsten Etappen und Erkenntnisse dabei waren. Hier ein Blick in meine Anfänge. Zeichnen statt kneten Ich finde es sehr wichtig, dass man in jungen Jahren verschiedene Formen der Kunst ausprobiert. Nur wenn einem die Malerei nicht liegt, heißt es nicht, dass man kein Talent für Kunst hat. Während bei der Malerei räumliches Abstraktionsvermögen gefördert wird, spielen haptische Fähigkeiten bei der Bildhauerei eine wesentlich größere Rolle. Der Schulunterricht war in Blöcken aufgeteilt, in denen sich Schüler*innen entweder einem bestimmten Motiv, einer Epoche oder einer Methode widmeten. Auf diese Weise konnte ich Pappmaschee, Kohle, Pastellkreide, Ton, Acrylfarben und textile Gestaltung ausprobieren. Dadurch stand sehr früh fest, dass mir Malen und Zeichnen wesentlich mehr liegt als Basteln, Formen, Kneten und Schneidern. Mein erster Comic war ein Manga Inspiriert von Anime und Manga, zeichnete ich im Alter von 10 Jahren einen Fan Fiction Comic, der insgesamt auf 18 Bände à 30 DIN-A4-Seiten kam. Stilistisch ist das Werk eine Persiflage auf das beliebte Shonen Manga Genre. Das sind japanische Comics, die für das junge männliche Publikum ausgerichtet sind, starke Helden und Action enthalten. Obwohl die Story recht konfus war und der Stil natürlich nicht mit meinen Vorbildern mithalten konnte, wurde er von meinen Mitschülern gerne gelesen. Ich lernte durch das Comiczeichnen, wie man Figuren in unterschiedlichen Perspektiven so darstellt, dass man sie wiedererkennen kann. Stellvertretend für meinen ersten Comic zeige ich euch ein Bild von Mei-Ling Li aus dem Anime Card Captor Sakura (Link führt zu Wikipedia). Ich habe sie in einem an Dragonball Z angelehnten Outfit und in einer Kampfpose gezeichnet. Vom Fan Fiction Manga zum eigenen Zeichenstil Im Jahr 2001 folgte ein Comic namens Satoshi mit ungefähr 9 Bänden à 30 DIN-A4-Seiten. Pantoffelheld Satoshi lernt auf seiner Reise andere Comicfiguren kennen. Durch das Abzeichnen beliebter Helden lernte ich die Zeichenstile unterschiedlicher Mangaka und Comiczeichner*innen aus aller Welt kennen. Weder die filigrane Strichführung vieler Shoujo Manga, noch die kontrastreiche Schattierung der Marvel und DC Comichelden, sagte mir beim Zeichen so sehr zu, dass ich sie mir zu eigen machte. Mir kamen beim Zeichnen aber auch keine Ideen, einen eigenen Manga- oder Comicstil zu erschaffen. In den späteren Bänden fanden neben Satoshi immer mehr eigene Figuren Platz, die weder zum einen noch zum anderen Stil passten. Ich übernahm den wilden Linienzug aus amerikanischen Comics, die bunte Farbgebung vom Manga und achtete auf realistische Proportionen. Auf diese Weise fand ich einen eigenen abstrahiert realistischen Stil, den ich mehrere Jahre beibehielt. Gewisse Aspekte davon werdet ihr auch noch in meinen heutigen Werken erkennen. Da sich der gebundene Comic leider nicht einscannen lässt, gibt es stattdessen eine Illustration aus dem Jahr 2002. Sie zeigt zwei eigene Hauptfiguren, die dafür verantwortlich sind, dass die Comicwelten zueinander gefunden haben. Da Satoshi meine erste zusammenhängende Geschichte war, betrachte ich ihn als Meilenstein. Warum aus mir keine Mangaka wurde Der Manga-Boom in Deutschland zog immer weitere Kreise. In der Hoffnung Mangaka (Mangazeichnerin) zu werden, wagte ich 2003 einen weiteren Versuch. Dafür legte ich das neue Projekt in japanischer Leserichtung (rechts nach links, oben nach unten) und in japanischen Maßen an. Technisch war ich durch den Kauf spezieller Zeichenfedern, einem Arsenal hochwertiger Bleistifte, Knetradiergummis und Rasterfolien bestens ausgestattet. Es ist eine Herausforderung, Panels (Kästchen in Comics) in einer anderen Leserichtung zu planen, als man gewohnt ist. Außerdem tat ich mich schwer, typische Manga-Proportionen anzuwenden und konnte meine namenlose Hauptfigur auch nach zwei Wochen nicht auswendig zeichnen. Tuschen wurde zu einer der größten Herausforderungen. Je feiner die Feder, desto welliger die Linie, aber eine harte Feder zerkratzt das Papier. Schade, dass ich damals keine Pigmenttusche kannte, dann hätte ich dem Versuch mehr Zeit gegeben. Nach gerade einmal vier getuschten und geklebten Comicseiten und zwei größeren Illustrationen, hatte sich der Traum Mangaka von selbst erledigt. Sowohl in Stil und Erzählform bin ich zwei Schritte nach hinten gegangen. Im nächsten Post werde ich euch meine Meilensteine und Fortschritte ab 2004 vorstellen. Erfahrt, wieso ich zur digitalen Malerei kam und wieso mein Stil bis heute keinen Namen trägt. Hat es euch überrascht, dass ich früher Manga gezeichnet habe? Womit habt ihr angefangen und was macht ihr jetzt?

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6B Bleistifte sind die besten

Nadine — Thu, 24 Jun 2021 14:44:00 +0000

Jede*r Zeichner*in und Illustrator*in hat ein Lieblingswerkzeug. Meines ist ein ganz gewöhnlicher 6B Bleistift. Lest in diesem Blogpost, warum ich die Macht der Härtegrade jahrelang unterschätzt habe und was den 6B Bleistift zu einem langjährigen Wegbegleiter macht. Jeder kennt Bleistifte im Härtegrad HB. Sie eignen sich wunderbar für das Schreiben. Ich habe mit ihnen über 200 Comicseiten gezeichnet, bis ich den Druckbleistift für mich entdeckt habe. Mit einer HB Mine von 0,5 mm lassen sich wunderbar feine Linien zeichnen. Er ließ sich wesentlich besser kontrollieren als ein gewöhnlicher Bleistift. Doch leider zeichneten sich meine Linien auf den darunterliegenden Seiten ab. Erst dann begriff ich, dass die verschiedenen Bleistifthärten einen Sinn haben. Mein Druckbleistift wird mittlerweile nur noch bei detaillierten Zeichnungen verwendet. Hier seht ihr die Vorzeichnung zu meinem DARK Portrait von Jonas und Martha. Das gesamte Motiv ist etwa DIN A4 groß. Mit einem weicheren Bleistift könnte ich das nicht zeichnen – Aber so richtig Spaß macht mir die Arbeit mit einem Druckbleistift nicht mehr. Unterschiedliche Bleistifthärten Erst mit steigendem Interesse für Kunst, insbesondere für Kohlezeichnungen und Schraffuren, lernte ich unterschiedliche Bleistifthärten kennen. Die Skala geht in der Regel von 8H (hart) bis 8B (weich), wobei H für hard und B für black steht. Wenn man mit einem H-Bleistift zeichnen möchte, muss man schon ordentlich draufdrücken und hinterlässt tiefe Spuren auf dem Papier. B-Bleistifte geben sehr viel Grafit ab und hinterlassen keinerlei Spuren auf dem Papier. Dafür verschmieren die Zeichnungen umso mehr. Ich besitze bis heute nicht die gesamte Breite an Härten, weil ich den Unterschied zwischen 8B und 7B genauso wenig ausmachen kann wie HB zu F. Da meine Striche relativ weich aufliegen, machen Stifte ab 3H für mich sowieso keinen Sinn – Man sieht den Strich einfach nicht. Im Alltag benutze ich nur vier Härten: HB, 3B, 6B und 8B. Das sind genau die vier Stärken, die ihr auf dem Foto des Blogposts seht. Welche Härte eignet sich für was? Die Bleistifthärten F, HB und B sich zum Schreiben. Da ich nicht so gerne mit dem Bleistift schreibe, ist er auch nach über zehn Jahren kaum ein Zentimeter kürzer geworden. Der 3B Bleistift hat sich als Allrounder durchgesetzt, wenn meine Zeichnungen die Größe einer Postkarte haben sollten und eine relativ schwarze Linie benötigen. Meine Zeichnungen sind über die Jahre größer geworden, sodass ich eigentlich nur noch zum 6B oder 8B Bleistift greife. Das Verhältnis zwischen Strichbreite und Größe der Zeichnungen ist beim 6B Stift einfach perfekt. Die Linien sind bei meiner Druckstärke 2-3 mm breit, während ein gezeichneter Kopf etwa so breit ist wie meine Hand oder etwas größer. Ich kann mit sehr wenig Strichen eine Person porträtieren. Je mehr ich draufdrücke, desto schärfer und markanter wirken die Gesichtszüge. Zum 8B Stift greife ich, wenn ich Zeichnungen plane, die auch gedruckt wesentlich größer als A4 sein sollen. Es soll auch Künstler*innen geben, die auf die Präzision der H-Bleistifte schwören und wesentlich kleiner zeichnen. Ich habe für harte Stifte noch keine Verwendung gefunden, weil ich keine technischen Zeichnungen anfertige. Gute Gründe für einen 6B Bleistift Ein weiterer Grund für den 6B Bleistift ist seine Vielseitigkeit. Wenn ich hart aufdrücke, kann ich sehr intensive Linien zeichnen, aber ich kann mit relativ wenig Kraft auch sehr helle Schattierungen zeichnen. Auch wenn ich nur ungern schattiere, habe mit diesem Härtegrad die beste Kontrolle. Die Mine ist weich, aber noch nicht so weich, dass ich Angst haben muss, dass mir die Linien verschmieren. Wenn ich etwas mit dem 8B Bleistift zeichne, muss ich mir ein Taschentuch unter die Hand klemmen, da die Hand schwarz wird. Außerdem lassen sich bei sehr weichen Stiften die Patzer nur mit einem Knetradiergummi oder Schaumradiergummi beseitigen. Der 6B Bleistift kann von einem guten handelsüblichen Radiergummi radiert werden, wobei dieser nicht zu hart sein sollte. Solltet ihr noch recht frisch beim Zeichnen sein, empfehle ich euch die ein oder andere Härte auszuprobieren. Diese Stifte kosten nicht die Welt und eröffnen vielleicht ein neues Universum. Ein Stifteset mit allen 18 Härten braucht man nicht, es sei denn man malt Landschaften und Portraits und hat den Anspruch, sie realistisch zu schattieren. Ich komme bis heute mit drei bis vier Härten aus. Welche Bleistifthärte nutzt ihr?

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Karomuster zeichnen leicht gemacht

Nadine — Fri, 05 Feb 2021 17:43:00 +0000

Auf Instagram hat mich jemand gefragt, wie ich das karierte Hemd vom jungen Mann auf dem Cover zu „Back In Town“ gezeichnet habe. Da das Speedpainting noch in Arbeit ist, skizziere ich die Idee in diesem Blogpost. Erfahrt, was Karohemden mit Rockmusik zu tun haben und warum das Zeichnen von Karomustern nicht so leicht ist, wie man denkt. Was haben Karohemden mit Rockmusik zu tun? Eine Menge. Es gibt dutzende Varianten von Karomustern. Am Karomuster kann man auch erkennen, woher die Band stammt und welche Musik sie macht. Das klassische Tartan (Schottenkaro) ist ein Merkmal der britischen Punkszene, während sich in der eher amerikanisch-kanadischen Emocore und Metalcore Szene schwarz-weißes oder schwarz-rotes Fliesenkaro durchgesetzt hat. Die schwarz-weißen Fliesen sind nicht vom Ska Punk wegzudenken. Dagegen waren Holzfällerhemden in der 90er Grunge Szene sehr beliebt und werden heute noch von vereinzelten Post Grunge Bands getragen. Da sich The Verge als Alternative Rock Band bezeichnet, die ihre Wurzeln sowohl im Grunge als auch im Punk hat, trägt der junge Mann auf dem Cover zu Back In Town ein kariertes Hemd. Obwohl es sich bei Back In Town um einen Skate Punk Rock Song handelt, habe ich mich für ein Grunge Outfit entschieden. Grund dafür ist die graugrüne Farbe unseres Logos, das sich perfekt als Basisfarbe eines Karohemdes eignet. Übrigens beziehen sich die Cover-Illustrationen der The Verge Singles unmittelbar auf den Text, sodass es auch kein Zufall ist, wieso Blitze im Hintergrund zu sehen sind. Es gibt nun ein YouTube Video vom Zeichenprozess: Analyse eines Karomusters Wie zeichnet man ein Karomuster? Ich habe viele Skizzen gebraucht, um das Karomuster eines Flanellhemds zu zeichnen. Wer genau hinsieht, erkennt, dass es zwei ineinander geschachtelte Muster sind. Einmal hat man die groben farblich unterlegten Karos und dann die kleineren, die sich innerhalb des Großen befinden. Um dieses Muster zu rekonstruieren, benötigt jede Farbe und jede Strichstärke eine eigene Ebene. Aus der Ferne betrachtet, besteht ein Karomuster aus verschiedenen Strichstärken. Um es genauer zu beurteilen, habe ich mir ein Flanell-Karohemd aus dem Kleiderschrank genommen und genauer hingesehen. Die dickeren Striche entstehen durch mehrere quer gestrichelte graue oder schwarze Linien und nicht durch einen dickeren Faden. Dafür habe ich einen Schraffurpinsel benutzt, der aus mehreren parallelen Strichen besteht. Man sollte die Richtung und Dichte manuell anpassen, damit mehrere Schraffuren nebeneinander gesetzt werden können. Mit diesem Pinsel habe ich grobe Karomuster gezeichnet, wobei ich hier auf die Krümmung der Oberflächen geachtet habe. Mir hilft es sehr, sich ein Gitter vorzustellen, wie man es z.B. von 3D Graphiken (Meshes) kennt. Karohemden sind klein- und großkariert Im zweiten Schritt zeichne ich feinere Einteilungen dieser Karos. Ich halbiere das Muster quer und längs mit zwei unterschiedlichen Farben. Das bringt etwas mehr Dynamik ins Spiel. Schwarz, grau, dunkelblau, dunkelgrün, dunkelrot oder braun sind perfekte Farben für diese Linien. Da das karierte Hemd für das Cover grün werden sollte, habe ich schwarze und blaue Karos gewählt. Nun sind alle notwendigen Linien des Karomusters fertig gezeichnet worden. Damit diese nicht verschwinden und verwischen, werden alle Ebenen in den Multiplikationsmodus geschaltet und oberhalb der Füllebene angeordnet. Probiert unbedingt aus, in welcher Reihenfolge die farbigen Striche schöner harmonieren. Die Deckkraft der Ebenen sollte hoch, aber nicht 100% sein. Multiplikationsmodus für den Karo-Effekt nutzen Wenn man so viele Linien sieht, weiß man nicht mehr, welche Farbe wohin kommt. Eigentlich ist es ganz einfach: Orientiert euch beim Ausmalen der Karos an den dicken quer gestrichelten Linien und entscheidet euch für eine Richtung. Für den Anfang benötigt ihr zwei Farben, die gut miteinander harmonieren. Hier nutze ich oliv und beige fülle die groben Karos in Querstreifen aus. Zeichne das Karomuster so regelmäßig und plausibel wie möglich. Wie viele Karos fallen weg, wenn die Ärmel hochgekrempelt sind? Wichtig ist auch, dass das Muster bei geschlossenen Knöpfen nicht unterbrochen wird und dass die Innenseite mit der Außenseite übereinstimmt. Bei Bedarf können auch vereinzelte Schatten gesetzt werden, wobei diese unbedingt im Farbfeld bleiben müssen. Legt eine halb deckende Multiplikationsebene oberhalb der Querstreifen an und schaltet die Querstreifen aus. Damit das gezeichnete Karomuster besser zur Geltung kommt, malt ihr nur jede zweite Spalte aus. Nehmt eine Farbe mittlerer Helligkeit und Sättigung, die gut zu den anderen Farben passt. In meinem Fall ist es das Graugrün unseres Logos. Das Karomuster entsteht auf magische Weise, wenn die Ebene der Querstreifen angeschaltet werde. Durch die Multiplikation erhaltet ihr zusätzliche Mischfarben. Spielt mit der Deckkraft herum, bis das Karomuster schön aussieht. So sieht das fertige Bild aus. Ich hoffe, dass ihr mit diesem kleinen Tutorial verstanden habt, wie man Karomuster zeichnen kann, die ihr zum Beispiel für karierte Hemden nutzen könnt. Diese Vorgehensweise spart viel Zeit, da man nicht jedes einzelne Karo zeichnet, sondern sich lediglich auf Streifen konzentrieren muss. Dies ist nur eine Möglichkeit, ein Karomuster auf einem karierten Flanellhemd zu zeichnen. Es gibt aberdutzende Karomuster. Wenn man klassisches Tartan zeichen möchte, sollte man jedes große Feld in drei Bereiche unterteilen, die wiederum aus drei Bereichen bestehen und gut darüber nachdenken, welche Bereiche ausgelassen werden. Ich möchte damit sagen, dass man sich mit jedem Muster individuell beschäftigen muss. Durch dieses Tutorial lernt ihr bloß, das Muster auf einer anderen Abstraktion wahrzunehmen, also Linien und Farben zu trennen. Der Trick mit der Multiplikationsebene funktioniert nach wie vor. Warum man zum Zeichnen von Karomustern keine Rasterfolien nutzen sollte Zum Ende ein kleiner Warnhinweis. Wer gerne Manga und Graphic Novel liest, dürfte die ein oder andere Mangaka erwischt haben, wie er*sie Karomuster aus der Retorte nutzt. Rasterfolien sind transparente Klebefolien, mit denen sich im Nu Muster aufbringen lassen. Sie sind optimale Werkzeuge, wenn es um Wandtapeten und Hintergründe geht, wirken auf Kleidung jedoch sehr unnatürlich. Das liegt daran, dass die Muster für ebene Oberflächen konzipiert wurden und Kleidung einer recht komplexen Struktur und Form folgt. Gerade, wenn es um regelmäßige Muster wie Streifen und Karos geht, sollte man sie lieber selbst zeichnen statt zu Rasterfolien zu greifen. Wie malt ihr Karomuster?

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